José Flores

José Félix Flores Orozco, apodado El Jach'a, fue otro gran compositor que nos legó Bolivia. Nació en Oruro el 21 de septiembre de 1941, hijo de Francisco Flores y Francisca Orozco.
Cursó sus estudios en la escuela Luis Llosa, el bachillerato en el Colegio Nacional Aniceto Arce, y se sacó el título de Economista en la Universidad Técnica de Oruro.
En 1955 sus padres fundan la organización Oruro Moderno, y J. Flores con solo 14 años de edad compone su primera morenada para la ocasión: Morenita sirenita.
Tras su licenciamiento, J. Flores ocupa una serie de cargos públicos y asesora a diversos ministerios y organismos internacionales, además de dictar cátedra en las Universidades Técnica de Oruro, la Mayor de San Simón y la Católica Boliviana.



J. Flores fue además futbolista en los años 60, jugando en equipos como la Selección del Colegio Aniceto Arce, la Selección de Fútbol de Oruro y el Oruro Royal.

Selección de fútbol del Colecio Arce en 1961

En cuanto ya a su carrera musical, J. Flores compuso una buena colección de piezas musicales de gran calidad, morenadas la mayoría como Chiru chiru o La mentirosita, además de casi 100 temas folklóricos., también ha participado en numerosos conjuntos: dúo Los Gavilanes en 1967, Los Amaya en 1969, Los K'arisiris en 1971, Ruphay en 1981 y Bolivia Manta en 1983.
También participó en tres películas de Jorge Sanjinés: Las banderas del amanecer, La nación clandestina y Esperando el canto de los pájaros.
Fallece en La Paz el 3 de septiembre de 1998 de un infarto, dejando dos hijos: Joel y Jimena. Su srestos descansan hoy en el Mausoleo de los Notables, en su Oruro natal. La agrupación de la Morenada Central de los Cocanis y las instituciones orureñas erigieron una estatua del popular Jach'a.




Alberto Ruiz Lavadenz


Alberto Ruiz Lavadenz nació en La Paz en 1898. 
Se inició en el terreno de la música al ingresar a la Intendencia de Guerra de la ciudad de La Paz, donde aprendió a ejecutar el flautín y el oboe, luego aprendió el manejo de la quena y sobre todo el charango.

En 1923 creó el conjunto Lira Incáica, con el que grabó varios temas exitosos en la ciudad de Buenos Aires, a donde llegó en 1929 presentándose en diversos teatros y emisoras de radio donde cosechó un gran éxito de crítica, hasta tal punto que Lira Incáica llegó a grabar más de 40 discos de 78 rpm con el sello RCA Víctor entre 1931 y 1938. Fue de hecho el primer músico boliviano que triunfó en Argentina.
Así mismo fue maestro de charango, danzas y ritmos andinos en la Academia de Música Pugliese, alumnos suyos fueron por ejemplo Martha de los Ríos, Grigelia Pugliese, el dúo Acosta-Villafáñez o Antonio Tormo entre otros.
A. Ruiz falleció repentinamente en 1949.











Obra

A los bosques, Del prado vengo, La cacharpaya del soldado, Pilcomayo, Claveles rojos, Auqui auqui, Viva el carnaval, Linda yunqueñita...
Quizá su obra más conocida sea Infierno verde de 1933, una cueca que describe las penurias de los soldados que lucharon en la Guerra del Chaco de los años 30, que enfrentó a Bolivia y Paraguay.

Gilberto Rojas



Uno de los grandes creadores que dio Bolivia el siglo pasado fue sin duda Gilberto Rojas Enríquez, maestro, músico y compositor de cuya mano han salido más de 400 obras musicales que han sido interpretadas por tantos y tantos artistas y grupos.




Biografía

G. Rojas nació en Oruro, Bolivia en 10 de marzo de 1916,  hijo de Juan Rojas e Irene Enríquez.
Desde niño G. Rojas mostró un marcado grado de precocidad, con 3 años de edad recibió su primer instrumento: el charango, con el que llamó la atención de sus familiares y marcó el toque inicial de su talento creador y su vida artística. En su temprana edad, escuchaba y seguía atentamente las lecciones de piano que le daba su madre y luego se entretenía durante largas horas en lograr acordes, mostrando una sorprendente memoria para repetir cualquier fragmento musical, adentrándose en el conocimiento del piano, cada vez con mas insistencia.
El joven G. Rojas se pasaba largas horas silbando o cantando y creando melodías imaginarias que llamaba la atención de quien las escuchaba y cuando le preguntaban cómo se denominaba aquella  melodía que estaba silbando él respondía que en ese momento se la había “inventado” y la repetía tocando en el piano. En sus primeros años de estudiante fue alumno de la escuela Agustín Aspiazu y del instituto Americano de La Paz, graduándose en Humanidades en el año 1936.
Con 23 años de edad ingresa en el Conservatorio Nacional de Música de La Paz para recibir clases de piano bajo la vatuta de maestros como Antonio González Bravo o Manuel B. Sagárnaga.
Tres años después estalló la Guerra del Chaco entre Bolivia y Paraguay, y G. Rojas se alistó en el regimiento Vanguardia 24 de infantería, Gilberto pronto fue ascendido a cabo y después a sargento, aunque cayó enfermo y fue evacuado a La Paz, después de algunos meses nuevamente se presentó al ejercito boliviano para unirse a otro contingente el 7 de enero de 1935: la 9ª Compañía del regimiento colorados 41 de infantería, hasta el fin del conflicto el 14 de junio de 1935. Al final retornó a La Paz y se dedicó íntegramente a la música.
Se incorporó de nuevo a sus estudios, finalizándolos en 1936. Por entonces ya trabajaba como pianista en varias emisoras de radio de La Paz acompañando a cantantes, tiempo en el que empezaron ha surgir las primeras notas musicales de su inspiración con su primera composición: el vals Dios te guarde madrecita en 1937, después otro vals titulado Bajo el cielo de Vallegrande al que la profesora Elena Cabrera escribió una letra como homenaje a su tierra.
Conforme pasaron los años, G. Rojas se entregó con mayor pasión a la música y al amor, se casó con Carlota Foppino en 1942 con quien tuvo sus hijos Ana María y Gilberto Jr, matrimonio éste que concluiría en 1946.
El espíritu creador de este artista llamado también el kolla Gilberto, le llevó a visitar las ciudades de Santa Cruz y  Beni donde conoció de cerca la pureza autóctona del ritmo del taquirari, que años antes escuchara por primera vez en La Paz, asistió con la delegación beniana a las  Olimpiadas Nacionales de 1936 despertando el interés por el taquirari.
En esta música pura, virgen y tan melodiosa G. Rojas encontró el terreno para plasmar su inspiración con taquiraris como Negrita, Tiqui miniqui, Dame un besito y la conocida Viva Santa Cruz, interpretada por primera vez el 24 de enero de 1954 en el Paraninfo Universitario de la UTO de la ciudad de Oruro por el conjunto Sajama durante el festival de Bolivianidad, posteriormente reconocida como el segundo himno de la capital oriental.

Trío Indios Latinos
En 1945 G. Rojas junto al paceño Jorge Landivar y al cochabambino Hugo Claure, forman el trío  Indios Latinos con quienes realiza sus primeras giras  por Chile, Perú y Argentina, donde interpretan y graban sus primeras obras, posteriormente volvería a  grabarlas con el dúo  Las Kantutas formada por Irma Vázquez y Alicia Sáenz en 1947, y en 1956 con las hermanas Espinosa, Grímanesa y Josefina a quienes las inició y cooperó en su carrera artística siendo ambos duetos las que estrenaban sus obras musicales, grabándolas en discos Odeón y RCA Víctor de la Argentina, y posteriormente en discos Méndez de 78 rpm en La Paz.
Su actividad profesional como profesor de educación musical se inicia en el Instituto Americano durante 1944, y posteriormente en Don Bosco, Nacional Ayacucho, Ingavi, Sagrados Corazones, 1º de Mayo, Evaristo Valle, Liceo Bolivia, Instituto Anglo-Americano y Universidad Tupac Katari, hasta jubilarse en 1973.

G. Rojas llevó el folklore andino a EEUU en 1967, llegando a actuar con la cantante norteamericana Margaret Morís, donde estrenó su taquirari Hollywood de mi corazón  con su  propia dirección orquestal.
El 16 de julio de 1956 G. Rojas recibe la más alta condecoración que otorga el Gobierno de Bolivia: la Orden del Cóndor de los Andes en el grado de Caballero. En 1973 ingresa en la Sociedad Argentina de Autores y Compositores en las que registra muchas de sus obras.
Fue supervisor distrital de Educación Musical entre 1971 y 1973 y luego jefe de la Sección Folklórica del departamento de Música del Ministerio de Educación.
El 10 de marzo de 1983, Gilberto celebró su 67 cumpleaños, pero once días después falleció, el 21 de marzo de 1983. Tras su muerte, se le rindieron homenajes póstumos de toda índole, sus restos fueron velados en la Casa de la Cultura durante tres días recibiendo el postrer adiós de toda la ciudadanía acompañado de bandas musicales, que interpretaban la melodía de sus obras, el cuerpo de G. Rojas yace hoy a la sombra de un pino en el cementerio general de la ciudad de la Paz.

Premios

1945 1º Premio en el Concurso de Música Boliviana convocado por la Alcaldía de La Paz por Negrita.
1953 1º Premio del Carnaval Paceño por Viborita chis chis chis.
1976 Condecoración del club leonés de Santa Cruz por Viva Santa Cruz.
1977 Premio Amancaya de Plata en el Festival Tarija Musical por Luna chapaca.

FUENTE: Alfredo Solíz Béjar, de Pentagrama del recuerdo (adaptación por Igor Hernández)






Obra

En su haber G. Rojas posee la autoría de más de 400 piezas musicales, las más famosas son, además de las premiadas: Dios de guarde madrecita, La piqueñita, Flor de Chuquisaca, Prenda querida, Viva Cochabamba, Flor de Santa Cruz, Las palmeras y sobre todo Ojos azules.

En Buenos Aires - Canciones de ayer y de siempre
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
Hace rato que te quiero
.
.
2
Viva Santa Cruz
.
.
3
Tiqui miniqui
taquirari
G. Rojas
4
Diez pasitos
.
.
5
El chapaco
.
.
6
Dame tu emoción
.
.
7
Prenda querida
.
G. Rojas
8
Esperanzas
.
.
9
Palmeras
.
G. Rojas
10
Argentina
.
.
11
Cuando canta el río
.
.
12
Amorosa angelical
.
.
Disco grabado con Mario Saavedra y Ada Arguello.



EP
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
Negrita
taquirari
G. Rojas
2
En tus brazos / Amorcito mío
carnaval
G. Rojas
.



Música popular boliviana
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
Tiqui miniqui
taquirari
G. Rojas
2
Nenita
carnaval
G. Rojas
.




Viva Bolivia
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
Viva Bolivia toda la vida
cueca
G. Rojas
2
Oh litoral
huayño
"
3
Luz de la villa imperial
cueca
"
4
Cobija
taquirari
"
5
Amor chuquisaqueño
huayño
"
6
Flor de Tunari
huayño
"
7
Flor chapaquita
cueca
"
8
Viva La Paz
huayño
"
9
Tierra de los quirquinchos
morenada
"
10
Vení que soy de Beni
taquirari
"
11
En el Piraí
carnaval
"
12
Tierra pandina
vals
"
.




... y su orquesta boliviana
Temas
Ritmos
Autor(es)
Sello Méndez-108
1
Lunarcito
.
G. Rojas
2
Recuerdos
.
G. Rojas
.




EP
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
Eugenio Velasco & Los Trovadores: A Cotoca
carnaval
Los Altiplánicos
2
Pepa Cardona & G. Rojas y su conjunto: Palomita
taquirari
Alberto Méndez
.




Einfache volks - und Kindertänze 1          1985
Temas
Origen
Autor(es)
1
Biço
Turquía
Orq. G. Rojas
2
Carnevalito
Bolivia
"
3
Dodecanis sousta
Grecia
A. Hadjidaki, D. Papminitrou
4
Dreh - Mixer - Blues
EEUU
Orq. John Gillard
5
Hava nagila
Israel
Orq. Max Leth, Rachel Rastenni
6
Hevenu shalom
Israel
"
7
Lintu lenski oksalle
Finlandia
Orq. Penninvenyttäjät
8
Lintu lenski oksalle (gesungen)
"
"
9
Lord of the dance
Noreuropea
Orq. John Gillard
10
Puure-tanz (Alewander)
Suiza
Obelbasebieter Ländlekapelle
11
Tarantella
Italia
Holzbode-Musig
12
Tasanak
.
Dorfmusikanten
Disco colectivo en el que participa la Orquesta Gilberto Rojas en las dos primeras pistas.

Vírgenes del Sol


Quizás después de El Cóndor Pasa, Vírgenes del Sol sea la melodía del folklore andino más conocida a nivel mundial, una maravillosa composición que evoca a las vírgenes que vivían al servicio del dios Sol.




Jorge Bravo de Rueda

El autor de Vírgenes del Sol es Jorge Bravo de Rueda, un célebre pianista y compositor nacido en Lima, Perú, el 13 de septiembre de 1895.
Este autor inventó además el ritmo de la danza incáica tal y como lo conocoemos actualmente, además de la obra que nos ocupa, de él han surgido otras piezas musicales como Canción del rímac, Corazón de gitana, Noche invernal y Ojitos limeños.
De Rueda estuvo casado con Victoria Figueroa y León y tuvo cuatro hijos: Jorge, Rosa, Zoila y Consuelo Bravo de Rueda Figueroa. Falleció el 22 de noviembre de 1940 con solo 45 años de edad, también en Lima.
En 2006 el Congreso Peruano elabora un proyecto de ley para crear la Universidad Nacional Jorge Bravo de Rueda Querol en honor al compositor.




Historia

Al igual que ocurrió con El Cóndor Pasa, Vírgenes del Sol tuvo que esperar un tiempo para darse a conocer al mundo entero. Y fue precisamente en 1951 cuando la cantante también peruana Yma Sumac grabó este tema en EEUU con una gran repercusión y éxito, aunque previamente ya lo había grabado en 1944 con el sello Odeón junto con su esposo Moisés Vivanco y que escuchamos a continuación:



Hoy día numerosos grupos y artistas andinos han versionado esta joya del folklore con mayor o menor acierto, a mi personalmente las interpretaciones que más me convencen de Vírgenes del Sol son las grabadas por Savia Andina y Los Calchakis.
El 10 de junio del 2009 se publicó mediante resolucion directoral nacional la incorporación de Vírgenes del Sol al Patrimonio Cultural de la Nación del Perú.




Las acllas o vírgenes del Sol
La obra

Virgenes del Sol es la primera danza o fox incáico que existe, precisamente J. Bravo de la Rueda ideó este nuevo estilo basado en los antiguos y tradicionales huayños del Perú. Originalmente es una pieza estrictamente instrumental y, que yo sepa, nunca se le ha añadido letra alguna.
En esta canción se describe la grandeza del imperio incáico con uno de sus dioses principales: el Sol o Inti, el inca como jefe supremo y las acllas, que vienen a ser el tema principal de su obra. Las acllas eran mujeres que por su gran belleza eran seleccionadas aún vírgenes para ser llevadas a la isla del Sol, en el lago Titicaca, consagrada al dios Inti, a quien debían servir de por vida, su adiestramiento se llevaba a cabo en el acllahuasi, donde vivían las mujeres bajo la vigilancia de las mamaconas, aisladas en un servicio de alto honor, si por alguna razón estas sacerdotisas perdían su virginidad, se las dejaba morir por inanición.

Aquí escuchamos otra versión bastante reconocida ejecutada por Raúl García Zárate.






Solfeo
Esta es la partitura completa para interpretar Vírgenes del Sol en Do mayor con dos quenas o voces siguiendo un compás clásico de 4x4, nótese además los acordes gráficos de charango en los respectivos compases.

Cusco y la trilogía "Apurímac"



He decidido dedicar de forma especial una entrada de mi blog a Cusco, y más concretamente a su maravillosa trilogía de Apurímac: una serie de tres discos donde la célebre banda fusionó su característico New Age con la temática de la América precolombina, incluyendo obviamente los sonidos de la música andina, toda una experiencia para los oídos.




Cusco: Michael Holm y Kristian Schultze

Sin pretender extenderme demasiado con un grupo que no es ni de lejos andino, voy a resumir a grandes rasgos la historia y característica musical de Cusco.
Cusco fue un grupo musical formado por los alemanes Michael Holm y Kristian Schultze, éste último fallecido recientemente en 2011, a los que les unió su pasión por la ciudad de Cuzco, ubicada en Perú y que hoy día es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Este interés mutuo por las culturas precolombinas en general, y la incáica en particular, empujó a ambos entusiastas a formar la banda Cusco en 1979.
Desde entonces, Cusco ha grabado ya más de 20 discos en los que podemos disfrutar de su particular e inconfundible estilo a la hora de interpretar el New Age y su fusión con diversas músicas del mundo.




La trilogía Apurímac

Apurímac es una colección de tres discos que Cusco grabó en 1985, 1994 y 1997 y nombrados simplemente como Apurímac I, Apurímac II y Apurímac III, en los que Cusco incursiona de lleno en las diversas culturas precolombinas de América que se desarrollaron en este continente desde las extensas praderas de los que hoy llamamos Estados Unidos, pasando por las civilizaciones azteca y maya de la región centroamericana, hasta los pueblos amerindios de América del Sur.
Cusco llamó a su trilogía Apurímac, que es el nombre de un río que discurre por el centro y Sur del Perú, y que casualmente pasa también por la ciudad de Cuzco, así mismo da nombre también a un departamento y distrito judicial en el país andino.
Apurímac es un nombre compuesto por las palabras Apu, que en quechua significa Señor, y Rimac que significa Oráculo, por tanto Apurímac significaría algo así como el Señor Oráculo o Gran Hablador, considerado como el más poderoso de los oráculos Incas y que hablaba a través de los vertiginosos rápidos de este río.
Por último, señalar que a raíz del éxito de la serie Apurímac, algunos grupos pseudoandinos como Perú Nazca y otros tantos, han versionado en bastantes ocasiones algunas de las mejores piezas de la trilogía.


Apurimac I          1985
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
Apurimac
M. Holm, Majo Rolyat
2
Flute battle
M. Holm, K. Schulze
3
Tupac Amaru
K. Schulze
4
Flying condor
K. Schulze
5
Inca dance
K. Schulze
6
Pastorale
M. Holm, K. Schulze
7
Amazonas
M. Holm
8
Inca bridges
M. Holm, Wolff-Ekkehard Stein, Wolfgang Jass
9
Andes
K. Schulze
10
Atahualpa
K. Schultze, Michael Ruff
11
Fighting inca
K. Schulze
12
Apurimac II
M. Holm, Majo Rolyat
Primera entrega de la saga Apurímac grabada en Munich con las colaboraciones de Todd Canedy como percusionista, Hansi Strohr en los bajos y Billy Lang en la guitarra.
Este primer disco presenta una serie de 12 temas, la mayoría de ellos compuestos por los integrantes de Cusco: M. Holm y K. Schultze.
Cusco nos sumerge previamente en el universo de su New Age con la canción Apurímac, un espléndido viaje a través de la majestuosidad del río homónimo que ya hemos descrito, con unas melodías extremadamente simples pero efectivas que se vuelven a repetir con una impresionante guitarra eléctrica en su segunda versión, última pista del álbum.
Flute battle es ya una melodía mucho más animada y menos suntuosa que la anterior, con un ritmo muy vivo, sus primeros compases están copiados de un tema folklórico que tuvimos la ocasión de escuchar antes en el film del también alemán Werner Herzog titulado Aguirre, la cólera de Dios.
Cusco rinde aquí un homenaje musical a Tupac Amaru, último y legendario rey del Imperio Inca que gobernó de 1570 a 1572, cuando fue capturado y brutalmente ejecutado por los españoles, esta obra resulta un tanto ligera y carente de un aire guerrero que quizá le hubiera venido mejor.
Volviendo al estilo grandioso y místico de la cultura andina, Cusco nos impresiona con su Flying condor, en donde podemos escuchar un instrumento similar a un siku agudo que define hermosas y suntuosas melodías muy relajantes.
Siguiendo con la cultura inca, escuchamos Inca dance, una composición que evoca a las antiguas danzas rituales de los incas pero con una instrumentación obviamente moderna además de variada, este tema se utilizó para el programa de TV Coast to Coast AM.
Uno de los temas más apasionantes de la serie Apurímac es sin duda este que sigue: Pastorale, una más que sobria composición que trata sobre el intento de los europeos de conversión al Cristianismo para los pueblos precolombinos que mantenían sus propias creencias, la frase final es especialmente reverencial. Algo más animado es el tema Andes, con una introducción muy del estilo del tema anterior, deriva después en un ritmo mucho más acelerado, aunque con melodías ya un tanto vulgares.
M. Holm compuso junto a Wolff-E. Stein y Wolfgang Joss una de las mejores obras de Apurímac: Inca bridges, con un ritmo muy marcado y constante, donde de nuevo Cusco consigue un resultado brillante a costa de sencillas pero efectivas melodías.
De los Andes Cusco nos transporta al Amazonas, donde nos rodeamos del gran pulmón verde de Sudamérica de nuevo con otra melodía muy relajante y placentera, aunque quizá no muy definida.
Y concluimos la primera entrega de Apurímac con la que quizá sea la mejor canción de todas: Atahualpa, the last inca, un hermoso y suntuoso homenaje al quinto y último rey del Tawantinsuyo asesinado en 1533, con unas melodías realmente excepcionales y bellas que impregnan la obra de misterio y majestuosidad.
Puedes escuchar este disco en spotify.



Apurimac II          1994
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
Montezuma
M. Holm, Ralph Stemman
2
Quetzal's feather
M. Holm, K. Schulze
3
Dance of the Sun priest
M. Holm, K. Schulze
4
Tula
M. Holm, K. Schulze
5
Yucatan
M. Holm, K. Schulze
6
Xul-Kan, King of Palenque
M. Holm, K. Schulze
7
Maya temple
M. Holm, K. Schulze
8
Mexica
M. Holm, K. Schulze
9
Goddess of the Moon
M. Holm, Ralph Stemman
10
Temple of rememberance
M. Holm, K. Schulze
La segunda entrega de Apurímac se lanzó en 1994 con el subtítulo añadido de "Return to Ancient America", también fue grabado en Munich como el anterior.
Este nuevo trabajo consta de 10 títulos nuevos, aunque para mi gusto solo merecen la pena la mitad de ellos, eso si, son de gran calidad.
Seguramente el más famoso y conocido de los temas del disco sea la canción dedicada a Moctezuma Xocoyotzin, emperador de los aztecas hasta 1520 y que combatió a los españoles comandados por Hernán Cortés, aunque aquí la canción se traslitera como Montezuma, quizá a causa del idioma alemán, un tema especialmente bello que cuenta con unas melodías características muy bien elaboradas que suenan a ritmo de una peculiar y variada percusión, una auténtica maravilla. Goddess of the Moon está dedicada a la Luna, que para muchas de las culturas precolombinas de América, era tenida como una divinidad importante.
Quetzal's feather es un tema ya mucho más ligero y ambientalista dedicado al quetzal, ave que tiene un papel importante en la mitología prehispánica y moderna de Centroamérica, pues los reyes y sumos sacerdotes llevaban tocados de plumas de este pájaro.
Y terminamos el repaso a la segunda entrega de Apurímac con dos temas que en realidad son uno mismo, variante el uno del otro, y de una calidad y belleza extraordianrias: Maya temple y Temple of remembrance, dos canciones que describen con sus increibles melodías la suntuosidad y religiosidad de la antigua civilización Maya que se desarrolló en Centroamérica, una de esas composiciones ideales para la relajación y la meditación, sin dejar de admirar su atmósfera mágica y misteriosa.
Puedes escuchar este disco en spotify.



Apurimac III          1997
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
Ghost dance
tradicional
2
Kokopelli's dream
Craig Chaquico
3
Geronimo's laughter
M. Holm, K. Schulze
4
Medicine man
M. Holm, K. Schulze
5
Little pigeon and Crazy Horse
M. Holm, K. Schulze
6
Pahrump - Big water
M. Holm
7
Dream catcher
M. Holm, K. Schulze
8
Legend in the Redwoods
K. Schulze
9
The hunt
M. Holm, K. Schulze
10
White buffalo
M. Holm
Y en 1997 Cusco graba en Munich la tercera y última parte de la trilogía Apurímac, subtitulada como "Natural Spirit Pride", una última entrega de 10 temas nuevos. En esta ocasión Cusco ambienta sus trabajos mirando más a Norteamérica.
Ghost dance es una canción de estilo ritual y guerrero que marca un fuerte y salvaje ritmo acompañado por unas misteriosas voces de supuestos guerreros indios, maravillosa.
Sin duda una de las mejores canciones de todo el Apurímac es Kokopelli's dream, una impresionante y portentosa dedicación a Kokopelli, el dios de la fertilidad para los indios Hopi y de otras tribus del SW de EEUU, el fuerte de este tema es sin duda las increibles melodías de guitarras eléctrica y española que dan una fuerza y definición tremenda al tema.
Cusco dedica también un tema para los antiguos curanderos o shamanes de las tribus con Medicine man, un aire guerrero similar a Ghost dance aunque más místico y suave, igualmente correcto. También similar a estos temas es The hunt, un magnífico y movido tema dedicado a los antiguos cazadores de las praderas americanas, motivo éste que destaca por su increible energía y fuerza evocadora de la lucha entre el hombre y la Naturaleza en perfecta armonía hoy perdida.
Ya con un estilo más suave y ambiental escuchamos Dream catcher, otro tema maravilloso que nos pone en contacto con la Naturaleza y las antiguas culturas de Norteamérica con unas melodías especialmente emotivas y sentidas.
Y cierra la trilogía Apurímac el tema White buffalo, un impresionante ejercicio de espiritualidad y misticismo dedicado a las hoy desaparecidas manadas de búfalos que pastaban antaño en las praderas, y que tan importantes eran para el sustento de los nativos americanos, sus melodías llegan de verdad a encojer el corazón, todo un prodigio de Cusco que cierra así su magistral trilogía.
Puedes escuchar este disco en spotify.

Mauro Núñez


Mauro Núñez Cáceres está considerado como un gran virtuoso del charango en su país, Bolivia, autor además de numerosas piezas clásicas del folklore andino con las que se reafirmó como uno de sus principales impulsores. Además de su labor musical, también fue pintor y tallador de madera.


Biografía

Nació el 15 de enero de 1902 en una campiña cercana a la capital de la provincia Belisario Boeto, Villa Serrano, departamento de Chuquisaca, Bolivia. Sus padres fueron Máximo Núñez y Escolástica Cáceres.
Muy pequeño aún, emigró para recibir formación escolar en las Escuelas Salesianas, en la Escuela Calvo y luego su formación humanística en el Colegio Nacional Junín. Paralelamente, comenzó a desarrollar sus grandes cualidades artísticas, tanto en el campo de la música como en la pintura.

“No he tenido otro maestro que mi propio espíritu, toqué los charangos que yo mismo hacía desde muy pequeño”

le dijo al historiador Ruddy Miranda Noya, en una entrevista en 1967.
En 1914 se trasladó a la ciudad de Sucre donde estudió en la Escuela de Artes y Oficios Don Bosco y Artes Plásticas con Carlos Palacios.


En 1927 se trasladó a la ciudad de La Paz donde trabajó en mármol con el Gral. Guillermo Núñez del Prado. En estas épocas conoció a Emmo Reyes, uno de los más grandes cultores del teatro nacional. Fue ese año que tuvo su primera presentación junto a los músicos Julio Rendón y Guillermo Bleishner. Al mismo tiempo, se dedicaba a pintar los decorados de las obras teatrales en las que también participaba.
En 1931 fue contratado específicamente como charanguista y decorador por la Compañía Boliviana de Actores “Tiahuanacu” para una gira por Perú, Ecuador y Colombia que duró 5 años. A la culminación de esta gira se quedó en Lima durante 6 años más trabajando como charanguista y xilógrafo.
Habiéndose formado la Compañía Peruana de Arte con la cantante Yma Sumaj, en 1943 inició una gira muy exitosa por Argentina, Chile y Brasil, donde M. Núñez fue destacado como un charanguista excepcional.
De retorno a Buenos Aires inició otra etapa de su vida artística, tocando a dúo con el celebrado pianista argentino A. Ramírez, con quien expuso su arte en Uruguay y Paraguay, mereciendo elogiosos comentarios de su excepcional talento. La prensa bonaerense descubrió a M. Núñez como a un gran talento del charango, pero como si fuera oriundo del N argentino, situación que aclaró oportunamente y se identificó con su país de origen, Bolivia.
En 1944 participó en el rodaje de la película “Pachamama”. En Argentina cumplió labor de artista múltiple, tanto en la radio como en el espectáculo y el cine durante 8 años. Fue socio de diversas agrupaciones folklóricas, actuó reiteradas veces en el teatro Colón de Buenos Aires, en los festivales organizados por el gobierno de Juan Domingo Perón.
Recibió la réplica del Sable de San Martín, por su labor de difusión del arte y la enseñanza en la interpretación. Siempre en la República Argentina, paseó las bondades del charango. Desde los salones diplomáticos, teatros de música seria, hasta las poblaciones más alejadas de la Patagonia.
Enseñó su arte surgiendo como consecuencia el culto por el charango. Fruto de esta labor de difusión fue su sobrino Jaime Torres, hoy consagrado intérprete del charango que recibió clases de M. Núñez con tan solo 5 años de edad.
Con esta experiencia, riquísima en vivencias y profundización de sus estudios en charango, M. Núñez volvió a Bolivia para consolidarlo y ubicarlo entre los instrumentos de música universal. No solo fue este instrumento su compañero de vida y motivo de sus desvelos, también fueron los otros instrumentos de viento y percusión, los que inquietaron su genio. Fruto de sus estudios, todos los instrumentos nativos fueron colocados a la altura de instrumentos de concierto y con grandes posibilidades técnicas, como el charango, la quena, la flauta, el pinquillo, las zampoñas, las chajchas, el bombo, la qharatinya...
El 6 de mayo de 1957, fue protagonista de un hecho inédito que no se conoció hasta mucho tiempo después. Se trata de la conformación de la primera Asociación de Compositores e Intérpretes de la Música Nacional, con la finalidad de resguardar la riqueza folklórica y acervo musical. Aquí comenzó la riquísima trayectoria de M. Núñez que consagraría y llevaría muy alto a la música folklórica boliviana, a través de incontables festivales ganados, conciertos, recitales, animación, espectáculos y presencia en todo tipo de actividades culturales. Algunos de los triunfos más notables del gran maestro son: el primer lugar en composición, presentación e interpretación en el Festival Philips realizado en La Paz en 1966, el Festival de la música boliviana en Oruro, Lauro en Cochabamba y a nivel internacional el gran triunfo en el Festival de Cosquin-Salta en Argentina.
Recibió por sus actividades y triunfos, muchas distinciones no sólo oficiales, sino de asociaciones civiles, profesionales, artísticas, sociales y de voluntariado del país y el exterior, eventos que fueron conocidos y reflejados a través de los medios de comunicación en el país. Sus charangos fueron entregados a personalidades de la actividad política, diplomática y científica, como también a las instituciones nacionales e internacionales engalanando también colecciones particulares en URSS, EE.UU., Canadá, Japón, RFA, España, etc. Leonard Berstein tiene en su poder un charango que en su anverso está nítidamente tallada el Padre Nuestro de la fe católica, en los signos ideográficos utilizados en la colonia. En el local de la colonia de bolivianos en Buenos Aires se conserva el cofre que talló en madera para conservar la enseña patria de Bolivia.




Experto ejecutante en la quena, logró también una serie de efectos cromáticos que pronto asimilaron muchos hábiles intérpretes. Fabricaba quenas afinadas a tónica que podían ser acompañadas por cualquier instrumento; igual técnica e innovación merecieron otros aerófonos. En 1972 logró una quena convertible en pinquillo, sólo con cambiar la embocadura o boquilla. Este aerófono tan antiguo como la cultura precolombina, cobró nueva vigencia al poseer esta notable dualidad y se tornó compatible porque podía ser acompañado por cualquier instrumento musical. Estaba perfectamente afinado a la tónica universal.
Creó, lo conformó y dirigió hasta su fallecimiento, el legendario conjunto “Mauro Núñez”, paseando su arte por todos los escenarios del país, aleccionando con su magia a otros interpretes a conformar grupos folklóricos que hasta hoy continúan utilizando su afinación, su formato, su técnica, su estilo, su calidad y sus innovaciones en el charango y las chajchas o la qharatinya.
Les dio la misma calidad y conceptualización a las otras bellas artes que practicó en vida, porque fue un excelente tallador, escultor, decorador, muralista y pintor. Sus obras destacadas y destacables son el busto del Libertador Simón Bolívar, tallado en madera gigante de 3 m de altura y un peso de 4 t.Otra de las esculturas notables, es la mano gigante de madera que se encuentra en la plaza de Villa Serrano, donde el visitante puede informarse de los datos de este centro poblado. Construyó asimismo, el charango más grande del mundo.
Innumerables son las obras de arte que nos legó el maestro. La interminable producción musical creada por el padre del folklore boliviano, está diseminada en todo el mundo, a través de grabaciones de discos en los sellos Méndez, Lyra, Lauro, Panamericana, como asimismo en cintas de carretel que se encuentran en varios medios de comunicación en el país y en el exterior del país, en cintas de colecciones particulares y en el repertorio de quienes fueron sus discípulos.
M. Núñez falleció el 11 de octubre de 1973, en el hospital Santa Bárbara de la ciudad de Sucre, después de una prolongada enfermedad que no pudo superar. Por entonces, la Alcaldía Municipal de Chuquisaca, la Prefectura y otras instituciones educativas, sociales y populares, declararon duelo de 30 días y la despedida del féretro que partió hacia su pueblo natal, Villa Serrano, adquirió contornos espectaculares por la multitudinaria despedida y por la presencia también de personalidades políticas, sociales, artísticas y educativas de nivel internacional.

Mauro Núñez, consagrado por el público, por los festivales, concursos, encuentros, paneles y por conductores de la opinión cultural como el padre del folklore boliviano y maestro del charango, es una de las mayores personalidades de la cultura nacional y la celebración del primer centenario de su nacimiento el 15 de enero de 2002, no solo fue una fiesta de sus coterráneos, sino de todos los bolivianos. La demanda del arte nacional para una celebración digna, fue la declaratoria del año 2002, como Año del Primer Centenario del Nacimiento del Padre del Folklore Nacional y Maestro del Charango.


Obra

M. Núñez revolucionó la música folklórica nacional, incorporó al charango entre los instrumentos de concierto universal, compuso género de música especial, más de una centena de piezas para solista, dúo, trío y familia de los charangos, y afinó todos los instrumentos nativos para su interpretación en cualquier escala.
Las obras más conocidas de M. Núñez que han pasado a ser grandes clásicos del folklore andino son su Estudio para charango Canción y huayño, a veces titulado también Poco a poco.
Apenas hay grabaciones de M. Núñez, entre las páginas de pacoweb.net y delosandes.com se citan los siguientes trabajos, algunos de ellos grabados por su hijo Maurito y su conjunto:


Charango y piano         1957
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
Vírgenes del Sol
danza ritual
Bravo de Rueda
2
Te entregué mi corazón
bailecito
folk.
3
Danza de las flechas
danza
folk.
4
Del prado vengo
huayño
A. Ruíz Lavadenz
5
Bajo los cielos de Potosí
bailecito
M. Núñez
6
El arriero
canción indígena
M. Núñez
7
Poncho ponchito
huayño
M. Núñez
8
En la pasarela de Challuamayu
estudio
M. Núñez
9
Tríptico de bailecitos
bailecitos
10
Poncho ponchito
huayño
M. Núñez
11
El arriero
estudio
M. Núñez
12
Poncho ponchito
huayño
M. Núñez
Primer registro de M. Núñez, en compañía del pianista Juan Manuel Thorrez. Puedes escuchar parcialmente este disco en spotify.



Mauro Núñez y su conjunto / El maestro del charango
Temas
Ritmos
Autor(es)
 
1
Serranito lindo
estudio
M. Núñez
2
La vidita
huayño
M. Núñez
3
Poncho ponchito
estudio
M. Núñez
4
Pasarela del río
estudio
M. Núñez
5
Añoranzas de Serrano
huayño
M. Núñez
6
Pascua
motivo indígena
M. Núñez
7
El arriero
estudio
M. Núñez
8
Huayño de Serrano
huayño
M. Núñez
9
Charangología
estudio
M. Núñez
10
Recuerdos de Villas
huayño
M. Núñez
11
Poutpurrí de bailecitos
bailecitos
folk.
12
Navidad
villancico
M. Núñez
tx



Maurito y su conjunto          1970
Temas
Ritmos
Autor(es)
 
1
Lucy
cueca
Carlos Vázquez
2
San José
huayño
Jesús Gutiérrez
3
Cuando VI
cueca
rec. Carlos Vázquez
4
Selección de bailecitos
bailecitos
folk.
tx



El inmortal          1974
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
El arriero 📹
estudio
M. Núñez
2
Cuando la ilusión muere
Néstor Peñaranda
3
Chuquisaqueñita 📹
M. Núñez
4
Poncho ponchito 📹
estudio
M. Núñez
5
Serranito
huayño
M. Núñez
6
Linda abajeña
folk.
7
Quenas y ritmo
folk.
8
Charango y bajo
M. Núñez
9
Familias de charango
M. Núñez
10
La procesión
folk.
tx


Cóndor mallcu          1976
Temas
Ritmos
Autor(es)
1
Característica de Mauro Núñez
huayño
M. Núñez
2
Selección de bailecitos
bailecitos
M. Núñez
3
Cóndor mallcu
quena quena
Carlos Vázquez
4
Cacharpaya
tarkeada
Carlos Vázquez
5
Huayño tradicional
huayño
folk.
6
Ojos soñadores
cueca
folk.
7
Danza de las flechas
estudio
M. Núñez
8
Serranito
huayño
M. Núñez
9
Ch'ul
tonada
Carlos Vázquez
10
Morenada tradicional
morenada
folk.
11
Sin que el amor se compre
kaluyo
folk.
12
Árbol sin hojas
huayño
rec. Carlos Vázquez
tx

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